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Le travail sur Dress Code s’ancre dans un rapport au réel et dans le concret d’une pratique : celle du breakdance. La pièce est construite comme une plongée dans l’univers clos de la salle d’entraînement, mettant en avant les corps de ces danseur·ses et leurs vécus. Le public est invité à observer ce microcosme, à y regarder de plus près jusqu’à se retrouver au plus proche des danseur·ses, les yeux dans les yeux, dans un moment de rencontre aux allures de confrontation. À travers une chorégraphie brute et exigeante mettant en avant les gestes spécifiques du breakdance, Dress Code donne à voir les mécanismes physiques et psychologiques de l’entraînement : la répétition, les relations entre pratiquant·es, l’organisation de l’espace au sein duquel des petits groupes se forment, l’aspect rituel, mais aussi les différentes émotions qui s’y vivent. La chorégraphie donne aussi la place aux transformations du corps qu’engendre cette pratique, le rapport à la douleur et aux blessures qui font partie de la vie des danseur·ses. Le titre est une métaphore de l’ensemble des règles de mise en scène de soi (attitude, posture physique, habits) qu’il s’agit de respecter pour appartenir à la communauté du breakdance. Le dresscode est ce qui permet d’exister aux yeux de la société en affirmant une appartenance à un groupe, mais il peut également nous enfermer dans une image stéréotypée.

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Dress Code

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